Imagens Caóticas

Arte Gótica

2011-12-09T14:22:00.000-02:00

Definição (extraído de http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=termos_texto&cd_verbete=3789)

Estilo artístico europeu que predomina de meados do século XII ao início do século XV, período compreendido entre o fim do estilo românico e o início do Renascimento. O termo gótico, que faz referência ao povo godo, é utilizado originalmente pelos tratadistas do Renascimento com sentido pejorativo para designar a arquitetura - depois a escultura, a pintura e as "artes menores" - da Idade Média, consideradas "bárbaras" em relação ao clássico. Giorgio Vasari (1511 - 1574) é um dos primeiros a designar a arte gótica como "monstruosa e bárbara". A partir de meados do século XVIII, observa-se um processo de reavaliação do estilo inicia na Inglaterra, segue pela França, Alemanha e, finalmente, Itália - que elimina os sentidos negativos associados ao termo. O amplo arco cronológico desenhado pelo gótico e sua vasta difusão geográfica impõem dificuldades aos estudiosos, que são obrigados a considerar as diversas inflexões por ele assumidas em diferentes momentos e contextos. De todo modo, é possível identificar traços distintivos do novo estilo que se ligam diretamente à leveza das construções, às linhas curvas, à verticalidade das formas arquitetônicas e às tendências naturalistas na escultura, que tornam mais reais e humanizadas as representações religiosas. Ao contrário da arte românica que se origina de uma multiplicidade de centros, o gótico tem uma única fonte de irradiação: o norte da França. Toda a primeira fase do estilo pode ser definida como a linguagem artística da sólida estrutura monárquica francesa e do poder da Igreja, que se via como depositária das ciências e das artes, além de mediadora entre Deus e os homens. A proeminência da Igreja é enfatizada pela intensificação do culto à Virgem Maria, que assume o primeiro plano na iconografia sacra.

É na arquitetura religiosa que o gótico predomina nos séculos XII e XIII. Se a arquitetura românica se desenvolve com base nas estruturas maciças com poucos vãos, nos arcos redondos, nas abóbadas de arestas (constituídas pela penetração de duas abóbadas), em grandes portais e capitéis esculpidos - cujos motivos principais são os esquemas geométricos e os bestiários -, a arquitetura gótica vale-se dos grandes vãos para conseguir máxima luminosidade, captada pelas janelas com rendilhados e pelos vitrais em forma de rosácea. Utiliza-se ainda dos pilares leves, das estruturas reduzidas ao mínimo e do sentido ascensional da construção, enfatizado pelos arcos em ogivas, agulhas e capitéis. Elementos fundamentais no sistema de equilíbrio gótico são as abóbadas sobre cruzeiro de ogivas (reforçadas por nervuras ou ogivas) e o uso do arcobotante, que possibilita levantar a abóbada a alturas muito elevadas. Com o descarte das superfícies cheias e das paredes pesadas, o edifício gótico se reduz a um arcabouço de arcos e suportes, amparado pelos arcobotantes, o que faz dele uma construção dotada de leveza, que a intensa luminosidade interior ajuda a acentuar. Testemunhos do desenvolvimento do estilo em sua primeira fase são a Catedral de Notre-Dame, construída entre 1163 e 1250, e de Sainte-Chapelle, concluída em 1250, ambas em Paris; a catedral de Amiens, 1218 a 1247; a de Chartres, começada em 1194; a de Reims, começada em 1210, e a de Rouen da primeira metade do século XII. A íntima articulação entre arquitetura e escultura na decoração das catedrais é outro traço saliente do estilo. O pórtico da catedral de Chartres, por exemplo, é esculpido com figuras mais realistas com panejamento que permitem entrever as linhas dos corpos.

O gótico francês se expande para o resto da Europa, não apenas como modelo arquitetônico, mas também do ponto de vista das representações escultóricas e pictóricas. Na segunda metade do século XIII, Nicola Pisano, trabalhando muitas vezes com o filho Giovanni Pisano (ca.1240 - 1320?), redireciona a representação figurativa. Contra a convenção românica que separa os episódios em compartimentos dispostos em faixas, Nicola Pisano combina-os numa composição única, em que se destacam os detalhes vívidos e os efeitos dramáticos obtidos. Em seus murais e afrescos, Giotto (ca.1266 - 1337) logra traduzir para a pintura as figuras realistas da escultura gótica. Sua obra representa um corte em relação às convenções da tradição bizantina pela introdução de ideais naturalistas e pelo novo sentido atribuído ao espaço pictórico. Entre as obras a ele atribuídas estão os afrescos da Capela Arena ou dos Scrovgni, em Pádua, provavelmente concluídos em 1306. Mas Giotto é a transição para um novo período, o Renascimento.

A disseminação do gótico nos séculos XIV e XV acompanha o crescimento do comércio e a expansão das cidades. As catedrais já não constituem a principal tarefa dos arquitetos que se voltam, então, para os edifícios seculares, por exemplo, o Palácio dos Doges, em Veneza, iniciado em 1309. O estilo parece se expandir mais decididamente para a pintura, escultura e artes decorativas, além de definir outros centros de irradiação, por exemplo, a Boêmia, que se torna uma rota privilegiada de ampliação das influências francesa e italiana. Nesse momento, os historiadores da arte passam a falar no gótico internacional. Exemplo emblemático dessa fase é o chamado Díptico de Wilton, ca.1400, em que são João Batista, santo Eduardo, o Confessor, e santo Edmundo recomendam Ricardo II ao menino Jesus. Chamam atenção no Díptico o registro de um personagem histórico real, Ricardo II, marido de Ana de Boêmia, as linhas delicadas, o uso da perspectiva e o interesse pela observação do mundo real. O gótico internacional perpetua-se no decorrer do século XV, beneficiado pelas fortes ligações comerciais entre as cidades européias. Com o termo gótico tardio, alguns estudiosos batizam as obras realizadas entre meados do século XV e fim do XVI, paralelas, cronologicamente, ao primeiro Renascimento italiano.

Fra Angelico

Giotto

Giovanni di Paolo

Mestre de Saint Gilles

Catedral de Notre Dame

Rogier van der Weyden

Arte Naïf

2011-12-08T12:30:00.000-02:00

Definição (extraído de http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=termos_texto&cd_verbete=5357)

O termo arte naïf aparece no vocabulário artístico, em geral, como sinônimo de arte ingênua, original e/ou instintiva, produzida por autodidatas que não têm formação culta no campo das artes. Nesse sentido, a expressão se confunde freqüentemente com arte popular, arte primitiva e art brüt, por tentar descrever modos expressivos autênticos, originários da subjetividade e da imaginação criadora de pessoas estranhas à tradição e ao sistema artístico. A pintura naïf se caracteriza pela ausência das técnicas usuais de representação (uso científico da perspectiva, formas convencionais de composição e de utilização das cores) e pela visão ingênua do mundo. As cores brilhantes e alegres - fora dos padrões usuais -, a simplificação dos elementos decorativos, o gosto pela descrição minuciosa, a visão idealizada da natureza e a presença de elementos do universo onírico são alguns dos traços considerados típicos dessa modalidade artística.

A história da pintura naïf liga-se ao Salon des Independents [Salão dos Independentes], de 1886, em Paris, com exibição de trabalhos de Henri Rousseau (1844 - 1910), conhecido como "Le Douanier", que se torna o mais célebre dos pintores naïfs. Com trajetória que passa por um período no Exército e um posto na Alfândega de Paris (1871-1893), de onde vem o apelido "Le Douanier" (funcionário da alfândega), Rousseau dedica-se à pintura como hobby. Pintor, à primeira vista, "ingênuo" e "inculto", pela falta de formação especializada, dos temas pueris e inocentes, é responsável por obras que mostram minuciosamente, de modo inédito, uma realidade ao mesmo tempo natural e fantasiosa, como em A Encantadora de Serpentes, 1907. Seu trabalho obtém reconhecimento imediato dos artistas de vanguarda do período - como Odilon Redon (1840 - 1916), Paul Gauguin (1848 - 1903), Robert Delaunay (1885 - 1941), Guillaume Apollinaire (1880 - 1918), Pablo Picasso (1881 - 1973), entre outros -, que vêem nele a expressão de um mundo exótico, símbolo do retorno às origens e das manifestações da vida psíquica livre e pura. Em 1928, o colecionador e teórico alemão Wilhelm Uhde (1874 - 1947) - um dos descobridores do artista - organiza a primeira exposição de arte naïf em Paris, reunindo obras de Rousseau, Luis Vivin (1861 - 1936), Séraphine de Senlis (1864 - 1942), André Bauchant (1837 - 1938) e Camille Bombois (1883 - 1910). Mais tarde, o Museu de Arte Moderna de Paris dedica uma de suas salas exclusivamente à produção naïf.

No século XX, a arte naïf é reconhecida como uma modalidade artística específica e se desenvolve no mundo todo, sobretudo nos Estados Unidos, na ex-Iugoslávia e no Haiti. Em solo norte-americano, as inúmeras cenas da vida rural pintadas por Anna Mary Robertson (1860 - 1961) - conhecida como Vovó Moses - adquirem notoriedade quando a artista, autodidata, descoberta por um colecionador, completa 80 anos. Oriunda da tradição de retratistas amadores, a arte naïf norte-americana encontra expressão nas obras de J. Frost (1852 - 1929), H. Poppin (1888 - 1947) e J. Kane (1860 - 1934). Na Inglaterra, o nome de Alfred Wallis (1855 - 1942) associa-se a navios à vela e paisagens. Descoberto em 1928 pelos artistas ingleses Ben Nicholson (1894 - 1982) e Christopher Wood (1901 - 1930), Wallis pinta com base na memória e na imaginação, em geral com tinta de navio sobre pedaços irregulares de papelão e madeira. Na ex-Iugoslávia, a arte naïf faz escola, na qual se destaca, por exemplo, Ivan Generalic (1914 - 1992).

Soluções da arte naïf são incorporadas a diversas tendências da arte moderna, seja pelo simbolismo (em busca da essência mística das cores), seja pelo pós-impressionismo de Paul Gauguin, que vai para o Taiti em 1891, e faz pesquisas em direção à cultura plástica das chamadas sociedades primitivas, o que se revela no uso de cores vibrantes e na simplificação do desenho como em Ta Ma Tete - Mulheres Taitianas Sentadas num Banco, 1892, e Te Tamari no Atua - Natividade, 1896. Os trabalhos realizados sob a égide do Blauer Reiter (O Cavaleiro Azul) - grupo do qual participam August Macke (1887 - 1914) e Paul Klee (1879 - 1940) - e a obra de Wassili Kandinsky (1866 - 1944), em defesa da orientação espiritual da arte, também se beneficiam de sugestões da arte naïf.

Se em sua origem essa modalidade é definida como aquela realizada por amadores ou autodidatas, o processo de reconhecimento e legitimação obtidos nos circuitos artísticos leva a que muitos pintores, com formação erudita, façam uso de procedimentos caros aos naïfs. Além disso, a arte naïf desenha um circuito próprio e conta com museus e galerias especializados em todo o mundo. No Brasil, especificamente, uma série de artistas aparece diretamente ligada à pintura naïf, como Cardosinho (1861 - 1947), Luís Soares (1875 - 1948), Heitor dos Prazeres (1898 - 1966), José Antônio da Silva (1909 - 1996) e muitos outros. Entre eles, ganham maior notoriedade: Chico da Silva (1910 - 1985) - menção honrosa na 33ª Bienal de Veneza - e Djanira (1914 - 1979). Aluna do Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro, Djanira completa sua formação com aulas de Emeric Marcier (1916 - 1990) e Milton Dacosta (1915 - 1988), seus hóspedes na Pensão Mauá, no bairro de Santa Teresa, no Rio de Janeiro. Nos anos 1950, ela é artista consagrada e uma das lideranças do Salão Preto e Branco. A arte popular do Nordeste brasileiro - as xilogravuras que acompanham a literatura de cordel e as esculturas de Mestre Vitalino (1909 - 1963) - figura em algumas fontes como exemplos da arte naïf nacional.

Onde ver no Brasil
Museu Internacional de Arte Naïf - RJ
http://www.museunaif.com.br/

Bienal de Arte Naïf do SESC - SP
http://www.sescsp.org.br/sesc/sol/index_result.cfm?referencia=7164

Antonio Poteiro

Chico da Silva

Lucia de Lima

Mestre Vitalino

Mundo Surreal

2011-12-07T16:31:00.000-02:00

As vezes olhamos o mundo com lupa, vêmos tudo em tamanho gigante ou minúsculas formas.
Procuramos olhar ao redor e nos perguntamos sempre: será que é possível só existir humanos?
Muitas vezes respondemos a nós mesmo, com medo do imaginário, que sim, só existem humanos.
Mas de onde vem tanta imaginação na hora de contar histórias, na hora de fazer um filme ou até mesmo na hora de somente pensar como seria daqui uns anos.

Hoje, vemos planetas habitáveis sendo descobertos, cada vez mais os mitos e lendas sendo usados na literatura e filmes, a fantasia é algo que se sustenta para além da realidade.
Podemos ver imagens onde elas não existem, mas será que quando vemos algo imaginário, será que ele não é real e fingimos que não existe.

Temos noção de quanto do mundo é blindado a mente humana quando olhamos para o passado e nos detemos a ver as construções antigas em sua magnitude. Basta um único instante para criamos um mundo surreal, um mundo de fuga onde nossas fantasias se confudem com nossos medos, transformando a realidade que nos cerca e muitas vezes modificando a realidade ao nosso redor.

Como já muito se sabe, os fenômenos são apenas umas característica da realidade e não ela em si.
Então olhemos para fora de nós e realmente iremos ver o quanto desejamos que tudo que imaginamos acontecesse, como seria bom se não estivessemos sozinhos nesse mundo, como seria maravilhoso se nossos seres fantásticos e imaginários realmente existissem, aí sim poderíamos fugir da mesmice do dia a dia acreditar que tudo pode ser diferente.

2010

2010-02-24T09:45:00.000-03:00

Ano de 2010 começou e muitas coisas mudaram.

Entre elas, a necessidade de trancar a matrícula do curso de Artes Plásticas da EPA.
Isto me levou a ficar sem pintar e desenhar até o momento desse post.
Espero logo estar postando novos materiais.

Que seja um ano calmo.

Cubismo

2009-10-19T10:22:00.000-02:00

Quem me dera conseguir construir imagens como o gênio Picasso.

Fauvismo

2009-10-13T09:55:00.000-03:00

A cor como uma forma de expressão sem que necessitemos copiar as cores da natureza. Matisse fazia isso com tanta simplissidade que parece fácil, mas na hora que você começa a escolher as cores torna-se tão difícil. Tem também duas interpreetações da Vênus de Botticelli.

Introdução ao Cubismo

2009-10-13T09:44:00.001-03:00

Nestes exercícios o objetivo foi procurar tridimensionalizar a forma através de uma visão cubista.

Exercícios de Cor e Forma

2009-10-13T09:22:00.001-03:00

Nestes exercícios o objetivo era através da cor dar características da forma.

Pastel Seco - Exercícios

2009-07-11T13:20:00.000-03:00

Exercícios parte 2

2009-07-11T10:29:00.001-03:00

Estes exercícios são feitos com nanquim e lápis de cor.

Exercícios e estudos de material

2009-07-11T10:09:00.000-03:00

Estes exercícios são baseados em livros de arte que ensinam técnicas e materiais. Abaixo temos desenho com carvão, com sanguine, com lápis e giz pastel monocromático.

Desenhos Antigos

2009-07-09T11:43:00.000-03:00

Estes desenhos foram feitos quando eu fiz curso de ilustração. Foram realizados de 6 a 10 anos atrás.

Nu Masculino - última aula do semestre

2009-07-02T13:39:00.000-03:00

Estudo de Nu parte 3

2009-06-21T17:44:00.000-03:00

O estudo do corpo masculino é mais fácil que do feminino, este último geralmente é mais curvilíneo o que dificulta um pouco a elaboração do estudo... ou deixamos magra demais ou gorda, já o masculino é sempre bem quadrado..

Estudo de Nú Feminino

2009-06-16T17:07:00.000-03:00

Nestes estudos tivemos que desenvolver a forma da modelo e somente depois delinear o contorno

Estudos de Nú

2009-06-07T11:36:00.000-03:00

Aula desta semana foi com modelo vivo.

O objetivo era captar as poses que a modelo executava, em torno de 10 minutos, direto com pincel sobre o papel, sem estudo prévio.

Retrato de uma Geisha

2009-05-30T15:32:00.000-03:00

Mais uma aula de retrato. Hoje um baseado na foto do filme Memórias de uma Gueixa.

Primeiramente, necessitei refazer metade da pintura por ter errado um detalhe.

Depois procurei agraciar minha pintura com toque pessoal, porém toda vez que chega em imagens figurativas, lá se perde minha intenção para ó Juízo Crítico....

Retrato da Irmã

2009-05-24T11:38:00.001-03:00

Este retrato foi elaborado na aula desta semana. Uma aula que eu não estava muito disposto. Estava sem motivação e com muita preguiça, até achei que não sairia nada... Mas enfim está ai o resultado...Ficou parecido com ela....

Paisagem Urbana

2009-05-11T18:12:00.000-03:00

Semana passada a correria foi grande, devido ao início das oficinas de artes plásticas que vou ministrar pra o programa São Paulo é uma escola.

Ainda estou muito atarefado, pois é a primeira vez que dou aula para crianças de 4 a7 anos, de 7 a 10 anos e de 10 a 13 anos. Estou me adaptando a nova rotina, que tem exigido bastante tempo.

Porém creio que dentre 15 dias eu já consiga planejar as aulas com antecedência.

O último trabalho realizado por mim na aula de Artes Plásticas foi uma pintura urbana. Parecia um dia comum mas a maioria dos meus colegas de sala estavam sem motivação para pintar, inclusive eu. Procurei captar a realidade, mas quando percebi que exigiria mais tempo do que o necessário comecei a apressar o processo de pintura, o que fica bem evidente no quadro.

Esta é a nossa São Paulo, que quando você menos percebe já te engoliu no meio de prédios, da multidão e da loucura do dia a dia, mas mesmo assim é uma cidade de beleza única, mostrando o que realmente é a vida numa metrópole.

Pintura Acrílica em papel Cartão

Neste trabalho procurei dar mais atenção a perspectiva atmosferica, por isso que o primeiro plano eu dei uma singela (grande) simplificada para poder finalizar o trabalho durante a aula, se fosse tomar mais cuidado realisticamente levaria mais um dia inteiro de aula.

Paisagem

2009-05-03T11:05:00.000-03:00

A Era para o Impressionismo

Na Metade do século XIX, os pintores começaram a olhar a realidade com atitude nova e alerta. As convenções acadêmicas haviam ficado tão cristalizadas e arraigadas que pintores como Gustav Coubert, por exemplo, já não viam motivos para elas. Coubert mostrava a vida camponesa como de fato era, com isso, chocou e se indispôs com as figuras dominantes do mundo artístico.

Essa reação de Coubert e outros ganhou o rótulo de "realismo, mas os artistas da geração seguinte a consideraram uma abordagem demasiado material. Também eles rejeitavam temas idealizados e emotivos - só que procuravam ir muito além. A própria pintura em ateliê parecia-lhes antinatural quando o mundo de verdade estava lá "fora", era ali que pintavam, ao ar livre, buando captar os efeitos fugazes da luz e dar a real impressão de transitoriedade. Receberam um título bastante despeitoso ïmpressionistas", tendo como expoentes mais característicos Monet e Renoir, que apreenderam o lirismo do aqui e agora.

O Estilo de Monet, assim como o dos outros impressionistas, cacterizava-se por uma paleta clara e colorida, e ele costumava aplicar tintas não misturadas diretamente a telas preparadas com uma camada de branco puro. Essa superfície brilhante reforçava a luminosidade de cada uma das cores e acentuava a aparência irregular e desarmoniosa da pintura. (Historia da Pintura de Becket)

Perspectiva Atmosférica

A perspectiva atmosférica ou aérea, descreve a iluminação de tons e o arrefecimento de cores ã medida que se afastam para o horizonte. (Manual Prático do Artista)

Por meio dos corretos valores tonais de cada um dos diferentes planos do quadro, é possível recriar uma atmosfera mais ou menos densa ... A diferença entre a criação de valores tonais e a de indefinição atmosférica está no fato de que nesta última operação se produz a perda de definição no desenho ã medida que se realizam os planos posteriores.

A profundidade atua reduzindo o tamanho da imagem de um corpo. À medida que se aumenta a distância, oobjeto vai se reduzindo, até chegar a ser visto como uma abstração em sombra.

Perspectiva atmosférica, dada pelo contraste e pela definição dos primeiros planos e pela difusão e descoramento dos planos mais afastados. O efeito de profundidade e difusão é uma ilusão óptica provocada pelo vaor de água e pelas partículas de pó contidas no ar, que descoram e esbatem em parte as cores e as formas distantes.

Esse efeito atmosférico mostra-se mais pronunciado no desenho de paisagem quando se pretende produzir efeito de profundidade nos planos que se encontrem mais longe do observador. O primeiro plano empre será mais nítido e contrastado do que os planos afastados. À medida que o planos se afastam, vão perdendo a cor e a nítidez, apresentando formas mais esbatidas e tons mais claros. (Fundamentos do Desenho Artístico)

Nas aulas de paisagem eu ainda não cosegui encontrar o fazer correto do efeito de perspectiva atmosférica, o que tem levado ao professor intervir diretamente nos meus trabalhos, procurando adequar o efeito atmósferico e a falta de nítidez dos objetos no plano distante. Aqui postarei meus 3 primeiros trabalhos. Outro fator que pode estar me atrapalhando pela observação do professor é a utilização de pincéis chatos, por isso os próximos trabalhos irei utilizar os pincéis redondos, para ver se existe uma melhor qualidade nas pinturas.

Paisagem (Acrílica no papel cartão)

Visualmente bonito, técnicamente incorreto os planos. Um dia que eu não deveria ter ido a aula. Fiqui aborrecido com o fazer.

Para pintar esta paisagem foi de extrema dificuldade devido a constante mudança de luz no lago. Outro fato que ficou descaracterítico na pintura foi a velatura dada ao plano de fundo com cor azul, só que esta esbranquiçou demais a imagem, desfragmentando a pintura.

Neste último trabalho começa a aparecer em meu fazer a perspectiva atmosférica, porém foi necessário o professor intervir acrescentando uma velatura azul ao fundo, para esmaecer as cores.

Arte no Ensino Fundamental

2009-05-01T19:05:00.000-03:00

Apresentarei abaixo um recorte dos Parâmetros Curriculares Nacionais da disciplna Arte.

OBJETIVOS DO ENSINO FUNDAMENTAL
Os Parâmetros Curriculares Nacionais indicam como objetivos do ensino fundamental que os alunos sejam capazes de:
• compreender a cidadania como participação social e política, assim como exercício de direitos e deveres políticos, civis e
sociais, adotando, no dia-a-dia, atitudes de solidariedade, cooperação e repúdio às injustiças, respeitando o outro e exigindo para si o mesmo respeito;
• posicionar-se de maneira crítica, responsável e construtiva nas diferentes situações sociais, utilizando o diálogo como forma de mediar conflitos e de tomar decisões coletivas;
• conhecer características fundamentais do Brasil nas dimensões sociais, materiais e culturais como meio para construir rogressivamente a noção de identidade nacional e pessoal e o sentimento de pertinência ao país;
• conhecer e valorizar a pluralidade do patrimônio sociocultural brasileiro, bem como aspectos socioculturais de outros povos e nações, posicionando-se contra qualquer discriminação baseada em diferenças culturais, de classe social, de crenças, de sexo, de etnia ou outras características individuais e sociais;
• perceber-se integrante, dependente e agente transformador do ambiente, identificando seus elementos e as interações entre eles, contribuindo ativamente para a melhoria do meio ambiente;
• desenvolver o conhecimento ajustado de si mesmo e o sentimento de confiança em suas capacidades afetiva, física, cognitiva, ética, estética, de inter-relação pessoal e de inserção social, para agir com perseverança na busca de conhecimento e no exercício da cidadania;
• conhecer o próprio corpo e dele cuidar, valorizando e adotando hábitos saudáveis como um dos aspectos básicos da qualidade de vida e agindo com responsabilidade em relação à sua saúde e à saúde coletiva;
• utilizar as diferentes linguagens — verbal, musical, matemática, gráfica, plástica e corporal — como meio para produzir, expressar e comunicar suas idéias, interpretar e usufruir das produções culturais, em contextos públicos e privados, atendendo a diferentes intenções e situações de comunicação;
• saber utilizar diferentes fontes de informação e recursos tecnológicos para adquirir e construir conhecimentos;
• questionar a realidade formulando-se problemas e tratando de resolvê-los, utilizando para isso o pensamento lógico, a criatividade, a intuição, a capacidade de análise crítica, selecionando procedimentos e verificando sua adequação.

Na caracterização da área, considerou-se a arte em suas dimensões de criação, apreciação, comunicação, constituindo-se em um espaço de reflexão e diálogo, e possibilitando aos alunos entender e posicionar-se diante dos conteúdos artísticos, estéticos e culturais incluindo as questões sociais presentes nos temas transversais.

A área de Arte que se está delineando neste documento visa a destacar os aspectos essenciais da criação e percepção estética dos alunos e o modo de tratar a apropriação de conteúdos imprescindíveis para a cultura do cidadão contemporâneo. As oportunidades de aprendizagem de arte, dentro e fora da escola, mobilizam a expressão e a comunicação pessoal e ampliam a formação do estudante como cidadão, principalmente por intensificar as relações dos indivíduos tanto com seu mundo interior como com o exterior

O aluno desenvolve sua cultura de arte fazendo, conhecendo e apreciando produções artísticas, que são ações que integram o perceber, o pensar, o aprender, o recordar, o imaginar, o sentir, o expressar, o comunicar
Produzindo trabalhos artísticos e conhecendo essa produção nas outras culturas, o aluno poderá compreender a diversidade de valores que orientam tanto seus modos de pensar e agir como os da sociedade.

A dimensão social das manifestações artísticas revela modos de perceber, sentir e articular significados e valores que orientam os diferentes tipos de relações entre os indivíduos na sociedade.

O conhecimento da arte abre perspectivas para que o aluno tenha uma compreensão do mundo na qual a dimensão poética esteja presente: a arte ensina que nossas experiências geram um movimento de transformação permanente, que é preciso reordenar referências a cada momento, ser flexível. Isso significa que criar e conhecer são indissociáveis e a flexibilidade é condição fundamental para aprender

O importante neste estágio atual da educação brasileira é que os professores que se dispuserem a ensinar arte tenham um mínimo de experiências prático-teóricas interpretando, criando e apreciando arte, assim como exercitem a reflexão pedagógica específica para o ensino das linguagens artísticas. E para isso é necessário haver cursos de especialização, cursos de formação contínua, nos quais possam refletir e desenvolver trabalhos com a arte.

A manifestação artística tem em comum com outras áreas de conhecimento um caráter de busca de sentido, criação, inovação. Essencialmente, por seu ato criador, em qualquer das formas de conhecimento humano, ou em suas conexões, o homem estrutura e organiza o mundo, respondendo aos desafios que dele emanam, em um constante processo de transformação de si e da realidade circundante.

• A obra de arte e o artista
As formas artísticas apresentam uma síntese subjetiva de significações construídas em imagens poéticas (visuais, sonoras, corporais, ou de conjuntos de palavras, como no texto literário ou teatral). Não se trata de um discurso linear sobre objetos, fatos, questões, idéias e sentimentos. Antes, a forma artística é uma combinação de imagens que são objetos, fatos, questões, idéias e sentimentos, ordenados pela objetividade da matéria articulada à lógica do imaginário. O artista seleciona, escolhe, reordena, recria, reedita os signos, transformando e criando novas realidades.

• Arte, linguagem e comunicação
A produção do artista propicia um tipo de comunicação em que inúmeras significações se condensam na combinação de determinados elementos e conceitos, específicos de cada modalidade artística.

• A forma artística vai além das intenções do artista
Diante de uma obra de arte o espectador pode realizar interpretações que têm tanto a dimensão subjetiva como a objetiva. Isso ocorre durante um processo em que se relacionam as imagens da obra do artista e a experiência do apreciador.
Em síntese, a obra de arte pode significar coisas diferentes, resultantes da experiência de apreciação de cada um.

• A percepção é condição para a compreensão estética e artística
Diante de uma obra de arte, intuição, raciocínio e imaginação atuam tanto no artista como no espectador. A experiência da percepção rege o processo de conhecimento da arte, ou seja, a compreensão estética e artística.
O processo de conhecimento advém, então, de significações que partem da percepção das qualidades de linhas, texturas, cores, sons, movimentos, temas, assuntos, apresentados e/ou construídos na relação entre obra e receptor.

• A cultura e a personalidade do artista fazem parte da obra
A cultura e a personalidade do artista podem ser apreciadas na obra, pois configuram o próprio conteúdo da obra de arte: aquilo que é percebido, selecionado, destacado, organizado pelo artista transforma-se em uma construção observável cujo resultado é expresso na obra de arte. O motor que organiza esse conjunto é a sensibilidade, a intuição, a imaginação, os conhecimentos, a emoção, que desencadeiam o dinamismo criador do artista.

• A imaginação criadora
A imaginação criadora permite ao ser humano conceber situações, fatos, idéias e sentimentos que se realizam como imagens internas, a partir da articulação da linguagem. A emoção é movimento, a imaginação dá forma e densidade à experiência de perceber,
sentir e pensar, criando imagens internas que se combinam para representar essa experiência.

A arte é um conhecimento que permite a aproximação entre indivíduos, mesmo os de culturas distintas, pois favorece a percepção de semelhanças e diferenças entre as culturas, expressas nos produtos artísticos e concepções estéticas, em um plano diferenciado da informação discursiva

a arte na escola tem uma função importante a cumprir. Ela situa o fazer artístico dos alunos como fato humanizador, cultural e histórico, no qual as características da arte podem ser percebidas nos pontos de interação entre o fazer artístico dos alunos e o fazer dos artistas de todos os tempos, que sempre inauguram formas de tornar presente o inexistente.

Em síntese, considerando-se a arte como conhecimento, é função da escola introduzir os alunos na compreensão dessas questões, em cada nível de desenvolvimento, para que sua produção artística possa se enriquecer. A aprendizagem da arte envolve distintos âmbitos de experiência para abarcar o conhecimento artístico:
• a experiência de fazer formas artísticas incluindo tudo que entra em jogo nessa ação criadora: recursos pessoais, habilidades, pesquisa de materiais e técnicas, a relação entre perceber, imaginar e realizar um trabalho de arte;
• a experiência de fruir formas artísticas, utilizando informações e qualidades perceptivas e imaginativas para estabelecer um contato, uma conversa em que as formas signifiquem coisas diferentes para cada pessoa;
• a experiência de investigar sobre a arte como objeto de conhecimento, no qual importam dados sobre a cultura em que o trabalho artístico foi realizado, a história da arte e os elementos e princípios formais que constituem a produção artística, tanto de artistas quanto dos próprios alunos.

No convívio com o universo da arte, os alunos podem enfim conhecer:
• o fazer artístico como experiência poética (a técnica e o fazer como articulação de significados e experimentação de materiais, suportes e instrumentações variados);
• o fazer artístico como desenvolvimento de potencialidades: percepção, intuição, reflexão, investigação, sensibilidade, imaginação, curiosidade e flexibilidade;
• o fazer artístico como experiência de comunicação humana e de interações no grupo, na comunidade, na localidade e nas culturas;
• a obra artística como forma sígnica (sua estrutura e organização);
• a obra de arte como produção cultural (documento do imaginário humano, sua historicidade e sua diversidade).

Em conjunto com as outras áreas de conhecimento trabalhadas na escola, na área de Arte pode-se problematizar situações em que os alunos tenham oportunidade de perceber a multiplicidade de pensamentos, ações, atitudes, valores e princípios relacionados, à ética; meio ambiente; orientação sexual; saúde; trabalho, consumo e cidadania; comunicação e tecnologia informacional; pluralidade cultural, além de outros temas locais definidos na organização escolar

O pluriculturalismo no ensino de arte tem como objetivos: promover o entendimento de cruzamentos culturais pela identificação de similaridades, particularmente nos papéis e funções da arte, dentro e entre grupos culturais; reconhecer e celebrar a diversidade étnica e cultural em arte e em nossa sociedade, enquanto também se potencializa o orgulho pela herança cultural em cada indivíduo, seja ela resultante de processos de erudição ou de vivências do âmbito popular, folclórico ou étnico; possibilitar problematizações acerca do etnocentrismo, estereótipos culturais, preconceitos, discriminação e racismo nas ações que demarcam os eixos da aprendizagem; enfatizar o estudo de grupos particulares e/ou minoritários (do ponto de vista do poder) como mulheres, índios e negros; possibilitar a confrontação de problemas, como racismo, sexismo, excepcionalidade física ou mental, participação democrática, paridade de poder; examinar a dinâmica de diferentes culturas e os processos de transmissão de valores; desenvolver a consciência acerca dos mecanismos de manutenção da cultura dentro de grupos sociais; questionar a cultura dominante, latente
ou manifesta e todo tipo de opressão; destacar a relevância da informação para a flexibilização do gosto e do juízo acerca de outras culturas.

Aprender arte é desenvolver progressivamente um percurso de criação pessoal cultivado, ou seja, mobilizado pelas interações que o aluno realiza no ambiente natural e sociocultural.

Fazer arte e pensar sobre o trabalho artístico que realiza, assim como pensar sobre a arte que vem sendo produzida na história, pode garantir ao aluno uma aprendizagem contextualizada em relação aos valores e modos de produção artística nos diversos meios socioculturais.

Cada tipo de conteúdo da área pode ser ensinado nos três eixos da experiência de aprendizagem significativa do estudante de arte, quais sejam: a experiência do fazer, a experiência do apreciar e a experiência do contextualizar.

É papel da escola incluir as informações sobre a arte produzida e recebida nos âmbitos regional, nacional e internacional, compreendendo criticamente a difusão pelas mídias para democratizar o conhecimento e ampliar as possibilidades de participação social do aluno na transformação de caracterizações geoculturais

As propostas realizadas pelo professor para concretizar situações de aprendizagem precisam combinar momentos em que o aluno realiza tarefas — fazendo, fruindo e contextualizando arte. Esses momentos devem ser alternados e combinados com aqueles em que as intenções próprias dos alunos regem suas práticas artísticas, cuja execução depende da articulação de recursos pessoais e aprendizagens anteriores.

O aluno poderá desenvolver seu conhecimento estético e competência artística nas diversas linguagens da área de Arte (Artes Visuais, Dança, Música, Teatro), tanto para produzir trabalhos pessoais e grupais como para que possa, progressivamente, apreciar, desfrutar, valorizar e emitir juízo sobre os bens artísticos de distintos povos e culturas produzidos ao longo da história e na contemporaneidade.
Nesse sentido, o ensino de Arte deverá organizar-se de modo que, ao longo do ensino fundamental, os alunos sejam capazes de:
• experimentar e explorar as possibilidades de cada linguagem artística;
• compreender e utilizar a arte como linguagem, mantendo uma atitude de busca pessoal e/ou coletiva, articulando a percepção, a imaginação, a emoção, a investigação, a sensibilidade e a reflexão ao realizar e fruir produções artísticas;
• experimentar e conhecer materiais, instrumentos e procedimentos artísticos diversos em arte (Artes Visuais, Dança, Música, Teatro), de modo que os utilize nos trabalhos pessoais,identifique-os e interprete-os na apreciação e contextualizeos culturalmente;
• construir uma relação de autoconfiança com a produção artística pessoal e conhecimento estético, respeitando a própria produção e a dos colegas, sabendo receber e elaborar críticas;
• identificar, relacionar e compreender a arte como fato histórico contextualizado nas diversas culturas, conhecendo, respeitando e podendo observar as produções presentes no entorno, assim como as demais do patrimônio cultural e do universo natural, identificando a existência de diferenças nos padrões artísticos e estéticos de diferentes grupos culturais;
• observar as relações entre a arte e a realidade, refletindo, investigando, indagando, com interesse e curiosidade, exercitando a discussão, a sensibilidade, argumentando e apreciando arte de modo sensível;
• identificar, relacionar e compreender diferentes funções da arte, do trabalho e da produção dos artistas;
• identificar, investigar e organizar informações sobre a arte, reconhecendo e compreendendo a variedade dos produtos artísticos e concepções estéticas presentes na história das diferentes culturas e etnias;
• pesquisar e saber organizar informações sobre a arte em contato com artistas, obras de arte, fontes de comunicação e informação.

ONTOARTE

2009-04-28T18:55:00.000-03:00

Movimento de pensamento com o qual se designam todas aquelas manifestações artísticas que se motivam sempre na intencionalidade ontológico-humanista, compreendida como o formalizado apriórico do nosso existir.

Fundador e diretor é o Acadêmico Prof. Antonio Meneghetti, o qual durante seu concerto em Roma, em 1976, expõe pela primeira vez a motivação-base da OntoArte, distinguindo-lhe as coordenadas. Nasce assim em contraposição a uma arte que até hoje representou também os momentos de uma inteligência e de uma percepção corrompidas.

É preciso, ao invés disso, que o artista tenha uma ordem interior, uma capacidade de espírito conexa à própria ordem da vida. A OntoArte não se identifica com estilos particulares, modos expressivos ou técnicas institucionais, mas pressupõe que a obra seja antes de tudo sadia, simples e verdadeira. Quando se fala de sadia, entende-se precisamente que não deve ser a projeção de doença, depressão ou falência do artista.

A OntoArte não se espelha na visão que quer a arte como expressão da dor, da depressão ou da falência individual, mas posiciona-se como "ser para a arte". O seu pressuposto é "ser para a vida", o que comporta sanidade, realização, funcionalidade e evolução criativa do ser artista.
A capacidade criativa proposta pela OntoArte diz respeito antes de tudo ao homem exato, ao homem autêntico. Como premissa profissional artística, devemos ter uma pessoa realizada que depois de ter já demonstrado a própria superioridade em atingir objetivos históricos e sociais, tem continuamente necessidade de novos horizontes. O conceito preciso que a OntoArte dá de criatividade é que ela è sobretudo um dever diante de si mesmo.

Chega-se então a ser criativo compreendendo a si mesmo, passo a passo, prevendo portanto a cada momento, a solução para as problemáticas existenciais conformes à própria especificidade. Não se chega à criatividade por saltos, mas se chega ganhando a si mesmo segundo a provocação histórico-ambiental em contínuo crescimento.

Os pressupostos para poder falar de OntoArte, portanto, podem ser assim sintetizados: 1.potencial natural para o belo por parte do artista;
2.capacidade técnica para a expressão (portanto o tipo de escola ou academia, ou artesanato);
3.capacidade de formalizar a arte a partir da intuição ou visão lírica da própria especificidade.

A OntoArte não tem um fim terapêutico ou de aprendizagem técnica: a sua intenção é aquela de tornar claro e proporcional o sentido interno do prazer estético coligado ou síncrono à intencionalidade ôntica da natureza humana. Intencionalidade ôntica, nesse caso, significa: como o princípio projetante da ordem universal se presencia ou se revela no sinal artístico.

O seu ensinamento baseia-se exclusivamente nos critérios de subjetividade funcional: não se ensinam "idéias fixas externas", mas se educa a pessoa com potencialidade artística a “enverar” ou "inventar" a melhor relação de estética consigo mesmo.Cada objetivação deve ser uma obra de arte diante e dentro de si mesmo e deve levar a um tríplice resultado:
1. O efeito da funcionalidade;
2. O efeito estético;
3. A intuição com o ser transcendente

(Extraído de http://www.galeriaontoarte.com.br)

Torso e Estátua...

2009-04-23T10:28:00.000-03:00

"Os pequenos e singelos exemplos da Natureza, com a sua majestática e deslumbrante grandeza, mostram como o homem é pequeno, e, mesmo que o indivíduo venha a ser um super-homem, dificilmente poderá divorciar-se dela, ou tornar-se independente e absoluto, por ser uma parte instrínseca de um mesmo conjunto harmônico do grande concerto cósmico." (Joào Medeiros)

"o artista, digno deste nome, deve expressar toda verdade da Natureza, não somente sua verdade exterior, mas tudo, tudo absolutamente no mais alto grau - sua verdade interior."(Rodin)

Torso Feminino procurando representar agressividade, suavidade e desconstrução. (Tinta Acrílica em papel cartão)

Suavidade, como é difícil encontrar em meu interior inspiração para representar este tema. Acabo sempre tendo dificuldade na execução técnica. Como fica claro nestas duas pinturas.

Com o tema agressividade já consigo lidar melhor, pelo uso das cores me agradam. Apesar de estar bem sombrio este torso, onde os violetas e amarelos criam uma certa tempestade visual.

Desconstrução da forma, um bom exercício de criatividade. O primeiro eu acabei me equivocando na relação geometrica com as cores, por isso não foi possível criar uma harmonia. Já o segundo as formas distorcidas para forma uma imagem circular ganhou formas psicodélicas pela interação das cores.

Criação através da Natureza Morta

2009-04-17T21:14:00.000-03:00

"Todo aquele que deseja seguir o caminho certo deve conhecer, desde a juventude, as formas belas; e, quando bem orientado, aprende a amar somente essas formas - esse amor o levará a criar pensamentos sensatos; e logo perceberá que a beleza de uma forma relaciona-se com a beleza de outra, e que a beleza das formas é uma só" (Platão)

Aqui, queria dizer que a criação nasce da entrega ao encontro, seja qual for a designação para este encontro. No caso dos dois trabalhos coloridos me entreguei ao encontros das imagens infantis e nela se baseie para as duas pinturas coloridas. Pois não consigo ainda mever nelas, por mais que tenham sido feitas por mim.

Criação com base em Natureza Morta (Tinta acrílica sobre papel cartão)

Flores e Vasos

2009-04-17T20:03:00.000-03:00

Antes de apresentar as pinturas, vou falar sobre dois movimentos de arte:

Impressionismo:

"nasceu em 1874, quando o termo foi aplicado a um grupo relativamente diverso de artistas que expuseram no Salon des Refusés daquele ano. Muitas das obras tinham aparência comparativamente tosca e inacabada, o que lhes dava uma imediatidade que exasperou os críticos. Embora esses artistas fossem todos individualistas, com idéias e atitudes díspares, estavam unidos no desejo de alcançar maior naturalismo na arte, e suas pinturas revelavam uma luminosidade e um viço novos e supreendentes" (História da Pintura de Wendy Beckett)

Simbolismo:

"começou como movimento literário que via na imaginação a mais importante fonte de criatividade. Ele não demorou a infiltrar-se nas artes visuais, sendo outra reação ao limitado mundo representacional do realismo e do impressionismo. Inspirados pela poesia simbolista dos franceses Mallarmé, Verlaine e Rimbaud, os pintores dessa vertente usavam cores emotivas e imagens estilizadas para trazer à consciência do observador os sonhos e estados de espírito que experimentavam, por vezes pintando cenas exóticas e oníricas." (História da Pintura de Wendy Beckett)

Ao pintar vasos e flores estamos continuando os estudos com a natureza morta, porém aqui podemos empregar idéias e técnicas de diferentes estilos da pintura. Podemos tornar pinturas realistas ou oníricas, de acordo com o emprego das cores e formas que venhamos a utilizar. Encontramos uma bela pintura de vasos e flores no simbolista Odilon Redon, que nos encanta na sua obra Anêmonas e lilases em vaso azul.

Pintura de Natureza Morta - Vasos e Flores (Tinta Acrílica em papel cartão)

Trabalhei com marrom por esta ser uma cor cinzenta, possibitando o trabalho com contrastes tênues entre as sombras e as luzes. dando um efeito bem concreto a composição. Porém, era para eu ter dado enfâse nas flores e não no vaso.

Nesta composição procurei equilibrar a proporção entres as flores e o vaso. Eu trabalhei com a espátula para as folhas e o dedo para as flores, mas o professor me explicou que trabalhando com a espátula não se deve modular, alisar a pintura, sendo necessário trabalhar de forma que a espátula haja na criação da pintura.

Neste último tabalho eu dei enfâse as flores, procurando trabalhá-las de maneira difusa, onde o espectador tem a possibilidade de construir a imagem das flores que lhe venha a imaginação. Para destacar as flores trabalhei com uma cor quente em contraste com as cores frias usadas no restante da pintura.

Mente Doentia em uma Noite de Inverno

2009-04-16T21:02:00.000-03:00

É noite, posso olhar o luar e contemplar mais uma noite fria. Posso tocar o chão e perceber como a terra é insensível as dores do corpo, mas uma coisa eu sei, é que ao longínquo horizonte apenas penso nos tempo idos de quando eu ainda sabia o que era amor. Agora vago em vão sobre as campinas gélidas que transbordam gotas de orvalhos, e enchem o ar com um perfume de chuva.
Sim, meu coração está encharcado de inocentes desejos que se perdem no mais alto precipício do passado. Ando, continuo o caminho tortuoso de labirintos que nunca me levam onde eu gostaria de chegar, mas sinto ao longe o perfume de rosas e o calor da aurora que vem se aproximar.
Mais um líquido escorre em minha garganta fazendo com que todo o torpor da dor esvazie da memória, mas me seguro firme no meios de estatuas de falsos deuses, que contemplo a muito tempo. O anjo alado parece distante, com suas negras asas e a face dá mais bela humana, me contempla dizendo que não é meu tempo de partir.
Procuro então o estranho riso de um bufão que enreda o meu coração, tornando aquele momento de prazer e ternura, de falsas indagações sobre o que a vida pode trazer. Me apaga as chamas da tristeza, um pequeno fio de alegria começa a tecer em meu rosto sombrio.
Mas não tenho tempo, apenas sei que já perdi muitos e muitos sonos pensando na imagem tenra e quente da face de minha amada. Fico em transe contemplando neste momento seu eterno sorriso, mas a memória logo me escapa e me traz a solidão da frieza de um dia de inverno.
As pedras parecem segurar os icebergs de minhas emoções, mas o barulho que elas contemplam tornam-se ensurdecedor como a tempestade que se aproxima, que arrasta a livre sensação de paz que por um momento estava.
Tento me esconder mas não tem nada para me proteger, apenas vejo a escuridão se aproximar distante e contemplar-me com seu pleno silêncio, fazendo com que minha espinha estremeça com um arrepio de tempos vindos de pura escuridão.
Procuro gritar, mas nem lagrimas escorrem mais destes olhos que já contemplaram as mais diversas belezas, que já puderam ver cores onde o cinza dominava. Arco íris criam-se agora apenas na ilusão de minha mente que vaga distante da realidade, ao mesmo tempo em que sinto uma dor de partir de onde queria chegar.
Assim, a noite adentra as mais remotas sensações de sombras que parecem me perseguir, os calores cálidos da alegria que a momentos tive partem distantes e só restam agora um pouco mais de tristeza. Tristeza esta que não vem da não alegria mas de sua ausência completa. Ausência que cria nas sombras faces de amor, com rabiscos de dor, enquanto aqui estou eu mais uma vez, diante do luar, contemplando um pouco mais da minha vida enquanto a noite se vai, para um lugar que não posso acompanhar.

Este conto foi escrito em maio de 2007. (Atualmente as palavras desapareceram de meu processo criativo)

Natureza Morta continuação...

2009-04-15T18:58:00.000-03:00

Segunda semana de aula, e mais natureza morta. Aqui tivemos que procurar novas maneiras de compor as imagens.

Procurei representar esta imagem modificando as cores dos objetos, não me detendo as cores que eles realmente possuíam. A harmonia ficou cadênciada, porém temos do lado esquerdo uma frieza de inverno e do lado direito o calor do verão. Para quebrar a escuridão, deixei a parede branca, trazendo a claridade para o composto de imagens e formas.

Aqui o professor pediu para extrapolar o tamanho das figuras, o que me levou a pintar as formas como se elas estivessem ultrapassando as margens da pintura. Procurei concentrar a claridade no centro da composição, mas foi necessário quebrar a negritude do fundo com agumas intervenções da matiz branca.

Natureza Morta

2009-04-14T15:54:00.000-03:00

"Gênero de pintura em que se representam coisas ou seres inanimados" (Dicionário Houaiss)

Arte Holandesa (História da Pintura de Wendy Beckett)

De praxe a composição consistia numa mesa lisa, com os objetos sobre mesa colocados numa direção geral ascendente e diagonal. O conteúdo costumava ser taças, serviço de prata e os restos de uma lauta refeição, transmitindo a idéia da vaidade e transitoriedade da vida humana.

Elas exigem do artista a capacidade de renunciar os altos e baixos do drama.

Pintores: Willem Claez Heda, Jan Davidsz Heem e Rembrandt

Todos que almejam ser artistas plásticos necessitam trabalhar com natureza morta. A maior tarefa para o pintor neste caso é propor uma composição que seja bela. Outro fato importante é a possibilidade de trabalhar a luz ambiente, ou a luz focal.

Trabalho de Natureza Morta Monocromático (Tinta acrílica em papel cartão)

Neste exercício optei pelo azul para poder captar melhor os contrastes apresentados pelas diversas formas. A incidência de luz teve de ser construída imaginariamente, o que me fez evitar trabalhar com a luz refletida.

Trabalho de Natureza Morta Cromático (Tinta acrílica em papel cartão)

Neste exercício com cores, procurei trabalhar com o estilo "surreal, porém ainda peco nas habilidades de desenhos para trabalhá-lo de forma realista. O que levou a cometer diversos erros de volume e perspectiva, além de resolução compositiva.

Este último execício foi elaborado para compensar os erros no trabalho anterior.Procurei agrupar as imagens pelas cores correlatas, mas em termos de composição acabou levando o espectador a olhar com muita enfase para as bananas, devido a claridade e intensidade cromática que esta possui em relação ao todo da pintura.

Início do Caos...

2009-04-13T20:29:00.000-03:00

"O Artista é, hoje, uma espécie de guerrilheiro. A arte uma forma de emboscada. Atuando imprevistamente, onde e quando é menos esperado, de maneira inusitada, o artista cria um estado permanente de tensão, uma expectativa constante. Tudo pode se transformar em arte, mesmo o mais banal evento cotidiano. Vítima constante da guerrilha artística, o espectador vê-se obrigado a aguçar e ativar seus sentidos, precisa tomar iniciativas. A tarefa do artista guerrilheiro é criar para o espectador (que pode ser qualquer um e não apenas aqueles que frequentam exposições) situações nebulosas, incomuns, indefinidas, provocando nele, mais do que estranhamento ou repulsa, o medo. E só diante do medo, quando todos os sentidos são mobilizados, há iniciativa, isto é, criação"(Frederico Morais)

Este Blog será a minha guerrilha, meu mundo de medo. Nele irei postar os trabalhos que serão realizados ao longo do caminho que percorrerei no curso de Artes Plásticas da EPA. Será neste caos de sofrimentos e alegrias que espero compartilhar com vocês o meu processo de criação, mesmo que muitas vezes não consiga atingir os objetivos esperado por vocês, que certamente irá olhar com rigidez os meus trabalhos.

Portanto convido a todos que estiverem interessados em adentrar nesta tensa guerrilha:

A Observarem os sons das cores criadas pelas múltiplas imagens que nos lembram composições musicais, e sentirem o caos dentro de uma rede tecida por harmonia.